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Son dessein, c’est la recherche de ce qui est beau, élégant, esthétique, agréable à voir dans les lignes, les formes et les couleurs. Au niveau des couleurs, il cherche à éviter le clinquant, le criard et le fade. Il ne désire pas surprendre ou choquer. François COUPERIN affirmait: «Je préfère ce qui me touche plutôt que ce qui me surprend» A son avis, une peinture doit être agréable, procurer du plaisir et de la satisfaction. Il apprécie tout particulièrement ce qui est soigné, appliqué. Il a le goût du travail bien fait. Vous ne verrez pas de tâches de bavures, de dégoulis. Si ses tableaux paraissent trop léchés, c’est parce que son travail de finition ne laisse pas de place au hasard.

 

Il a toujours le souci de ce qui est construit, pensé, élaboré et organisé. La spontanéité peut présenter un intérêt, mais, lui semble-t-il elle doit être maitrisée et contrôlée. Il lui parait nécessaire et indispensable de maitriser la technique, d’apprendre à penser avant de passer à la réalisation. Ce qui est construit est solide, et à la longue, on est jamais déçu. Pour ce faire, il convient de posséder une logique qui puisse gouverner son travail.

 

On lui demande fréquemment: «Comment qualifier votre style?» «Quelles sont vos influences?». Les influences sont multiples et il est difficile de les définir avec précision. Le cubisme a eu une grande influence sur moi. Quant à ce «style géométrique», terme vague qui désigne assez bien ses peintures, il avoue que c’est une manière personnelle de faire qui suit son chemin. Quand un écrivain se met au travail, il ne se dit pas «je vais écrire un oeuvre romantique, surréaliste, etc...» Il écrit, c’est tout. Aux lecteurs de définir, de classer. Cette classification ne le concerne pas   Dans le ciel, par exemple, on peut observer ces parcelles qui le décomposent en plusieurs éléments. LAVOISIER disait: «La nature a horreur du vide». Je ne suis pas chimiste, mais je partage son avis. Je n’imagine pas une grande surface bleue et lisse, qui pourrait sembler vide, monotone: je pourrais la remplir avec des dégradés, des taches, etc... mais je peux aussi «rythmer» cette surface avec des «parcelles». 
 


Je décompose alors le ciel en morceaux, mais pas au hasard. Cela s’effectue en fonction des lignes, des éléments du paysage qui ne pourraient  être modifiés (l’architecture par exemple). Je suis alors en mesure de structurer l’ensemble comme dans un jeu de construction. Tous les éléments, une fois réunis, sont mis en relation entre eux, s’imbriquent. Par exemple, une parcelle de ciel (losange bleu outre-mer) peut trouver son pendant, son correspondant dans une parcelle de végétation de la même forme et de la même couleur. 

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C’est ainsi que cette répétition  offre une impression d’unité, tout se trouve lié. Il ne s’agit pas là d’un puzzle, où toutes les pièces sont identiques. Dans certains tableaux, on peut trouver un thème, un sujet. Si on me permet un parallèle avec la musique, je dirais que la mélodie apparait au début du morceau et revient régulièrement. Ainsi, le toit du donjon du Vieux château de Laval, par exemple, se répète dans le ciel, dans la végétation, etc... à l’endroit, à l'envers, augmenté ou diminué, selon les besoins, comme dans une fugue de J.S BACH. 

J’utilise beaucoup les diagonales. Généralement, dans l’observation d’un tableau ou d’un paysage, on se repère avec les horizontales et les verticales. La présence des diagonales permet, dans un premier temps, de déstabiliser la toile, de la déséquilibrer. Ensuite, la répétition de ces diagonales, de parallèles permet de rappeler, de réaffirmer ces obliques: Il faut répéter pour donner un équilibre et une unité. En outre, cela donne la possibilité de faire «vibrer» le tableau, de lui donner une force et un dynamisme. Cela produit une impression d’espace nécessaire car j’utilise peu les volumes - ou les cubes - mais des surfaces, des plans. C’est une façon de passer de deux à trois dimensions. J’aime également employer des parcelles minuscules d’ombre ou de lumière, qui créent une certaine vibration.

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